Sobre Antonio Ricardo Scofidio.  
Una conversación con Brian Tabolt  
About Antonio Ricardo Scofidio.  
A conversation with Brian Tabolt  
Brian Tabolt, Rocío Santo-Tomás Muro, Jaime Sanz Haro  
Traducción Translation Rocío Santo-Tomás Muro  
Brian Tabolt  
Rocío Santo-Tomás Muro  
Universidad CEU San Pablo  
ORCID: 0000-0002-8577-7008  
Jaime Sanz Haro  
Universidad CEU San Pablo  
ORCID: 0000-0001-5372-1643  
Palabras clave  
Ricardo Scofidio, Diller Scofidio + Renfro,  
Nueva York, High Line, Lincoln Center.  
Keywords  
Ricardo Scofidio, Diller Scofidio + Renfro,  
New York, High Line, Lincoln Center.  
Resumen  
Ricardo Scofidio (1935–2025) falleció el 6 de marzo en Nueva York, dejando un legado funda-  
mental en la arquitectura contemporánea. Fue uno de los fundadores de Diller Scofidio + Renfro,  
un estudio reconocido internacionalmente por integrar la crítica conceptual, la experimentación  
espacial y un enfoque informado del urbanismo, todo ello con un marcado carácter performa-  
tivo. Sus obras más destacadas, entre ellas la High Line, la ampliación del MoMA y la renovación  
del Lincoln Center, redefinieron la arquitectura pública mediante estrategias de hibridación pro-  
gramática y una comprensión de la ciudad como un entorno dinámico de interacción. A lo largo  
de su carrera, distinguida con la MacArthur Fellowship y el Royal Academy Architecture Prize,  
Scofidio contribuyó a establecer un marco disciplinar que desafía las convenciones tipológicas y  
propone nuevas formas de mediación entre la ciudad, la infraestructura y la experiencia vivida.  
Queremos expresar nuestro agradecimiento a Brian Tabolt, profesional del diseño, docente  
y Associate Principal en Diller Scofidio + Renfro (DS+R), por su participación en esta conver-  
sación homenaje.  
Abstract  
Ricardo Scofidio (1935–2025) passed away on March 6 in New York, leaving behind a significant  
contribution to contemporary architectural practice. He was one of the founders of Diller Scofi-  
dio + Renfro, a studio internationally recognized for its integration of conceptual critique, spatial  
experimentation and a culturally informed approach to urbanism with a distinctly performative  
dimension. His major works, including the High Line, the MoMA expansion and the redevelop-  
ment of Lincoln Center, redefined public architecture through strategies of programmatic hy-  
bridization and an understanding of the city as a dynamic environment for interaction. Throu-  
ghout his career, honored with the MacArthur Fellowship and the Royal Academy Architecture  
Prize, Scofidio helped establish a disciplinary framework that challenges typological conven-  
tions and proposes new forms of mediation between city, infrastructure and lived experience.  
Fecha recepción Receipt date  
18/03/2025  
Fecha aceptación Acceptance date  
We would like to express our gratitude to Brian Tabolt, design practitioner, educator, and  
Associate Principal at Diller Scofidio + Renfro (DS+R), for his participation in this commemo-  
rative conversation.  
19/03/2025  
Fecha publicación Publication date  
31/05/2026  
Brian Tabolt, Rocío Santo-Tomás Muro, Jaime Sanz Haro. Sobre Antonio Ricardo Scofidio.  
Una conversación con Brian Tabolt. About Antonio Ricardo Scofidio. A conversation with Brian Tabolt. 13-33 pp.  
13 | Constelaciones nº 14, 2026. ISSN: 2340-177X  
DOI: https://doi.org/10.31921/constelaciones.n14c1  
Gracias, Brian, por acompañarnos y participar en este número  
JSH. de nuestra revista. A lo largo de esta conversación rendimos  
homenaje al legado de Ricardo Scofidio, con la esperanza de que pueda servir  
de inspiración a quienes la lean.  
¿Podrías compartir tu experiencia de colaboración con él? ¿De qué  
maneras se manifestaban su personalidad y su enfoque intelectual en los  
proyectos en los que trabajasteis juntos, y qué aprendizajes o reflexiones  
duraderas te dejó el tiempo que compartiste con él?  
Trabajé con Ric sobre todo en ciertas partes de la High Line, par-  
BT. ticularmente en la tercera fase, directamente a su lado. Una de  
las grandes virtudes de DS+R es que todos los socios participan en cada  
proyecto. La sensibilidad de Ric era realmente fundamental para el enfoque  
del diseño en la oficina, un enfoque que dependía en gran medida de la  
observación cuidadosa.  
No recuerdo un momento en que Ric trajera alguna idea externa o algo  
abstracto en lo que estuviera dándole vueltas. Se trataba realmente de mirar la  
situación específica, lenta y atentamente, e intentar entender qué podíamos  
añadir o eliminar para crear algo más intenso e interesante a partir de esa  
situación. Parte de la razón por la que el estudio ha producido tanto trabajo  
sobresaliente, en mi opinión, es que se centra en la reutilización adaptativa o  
en intervenciones, algo que ya estaba presente en sus primeros compromisos  
con el arte y en una práctica más vinculada al downtown al inicio del estudio.  
Al abordar proyectos como Lincoln Center o la High Line, existía una  
sensibilidad muy clara. A menudo, las conversaciones sobre el diseño de la  
Thank you, Brian, for joining us and participating in this num-  
JSH. ber of our journal. Throughout this conversation, we pay trib-  
ute to Ricardo Scofidio’s legacy, with the hope that it may serve as inspiration  
for all who read it.  
Could you share your experience of collaborating with him? In what  
ways did his personality and intellectual approach manifest in the projects  
you worked on together, and what lasting lessons or insights did you take  
away from your time with him?  
I worked with Ric mostly on certain parts of the High Line, par-  
BT. ticularly on the third phase, directly alongside him. A great thing  
about DS+R is all the partners are involved in every project. Ric’s sensibility  
really was fundamental to the approach to design there, which relied heavily  
on careful observation.  
I can’t really remember a time when Ric brought in some idea from  
the outside or some abstract thing he was noodling with. It was really about  
looking at the specific situation slowly and carefully and trying to understand  
what we could either add or take away to create something more intense and  
interesting from that situation. Part of the reason why the studio has pro-  
duced a lot of great work, in my opinion, is that it focuses on adaptive reuse  
or interventions, starting with its early engagement with artwork and a more  
downtown-oriented practice at the beginning of the studio.  
Coming into projects like Lincoln Center or the High Line, there’s a  
sensibility. Often, the conversations around design and the High Line would  
start with lots of different ideas and sometimes much stronger interventions.  
Brian Tabolt, Rocío Santo-Tomás Muro, Jaime Sanz Haro. Sobre Antonio Ricardo Scofidio.  
Una conversación con Brian Tabolt. About Antonio Ricardo Scofidio. A conversation with Brian Tabolt. 13-33 pp.  
14 | Constelaciones nº 14, 2026. ISSN: 2340-177X  
DOI: https://doi.org/10.31921/constelaciones.n14c1  
High Line comenzaban con muchas ideas diferentes y, a veces, con inter-  
venciones mucho más contundentes. Y siempre terminábamos pensando en  
cómo “subir la intensidad” o descubrir algo que pudiéramos revelar o desa-  
rrollar. Honestamente, esa es una de las cosas que me atrajeron a la oficina.  
Especialmente en un momento en que la arquitectura necesita cada vez más  
abordar problemas de reutilización adaptativa.  
Ric sentía un verdadero deleite por el detalle y por resolver momentos  
específicos. Le encantaban los coches y las máquinas de todo tipo, y so-  
lía aportar referencias interesantes del mundo del diseño industrial sobre  
cómo las cosas podían ensamblarse o resolverse en un detalle de manera  
inteligente y bella. También tenía un gran amor por el cine, así que aportaba  
ciertas alusiones de ese medio. Eso también se aprecia en la High Line, con  
ese desarrollo secuencial en el tiempo; es una secuencia cinematográfica. Él  
aportaba ese deleite. Una vez que se producía el descubrimiento de lo que  
íbamos a hacer, había una alegría en descubrir cómo hacerlo, en profundizar  
en la forma específica de materializar ese concepto en un detalle constructivo.  
Pasando a la parte académica de su carrera, ¿cuál dirías,  
RSTM. según tu propia experiencia, que era su enfoque hacia  
la enseñanza, y de qué manera colaboraba el estudio con la forma en que  
él enseñaba?  
Realmente no puedo hablar de su enseñanza de manera específica,  
BT. ya que no lo tuve como profesor, y él ya no enseñaba en Cooper  
[Union] cuando yo llegué a DS+R. Ocasionalmente lo tuve como crítico en  
And we always ended up thinking how to “turn up the heat” on it or discover  
something that we could reveal or elaborate on. That’s honestly one of the  
things that drew me to the office. Especially looking at a time when architecture  
increasingly needs to take on problems of adaptive reuse.  
Ric had a delight in detail and figuring out moments. He loved cars  
and machines of all kinds and would bring in interesting references from the  
industrial design world about how things might come together or be resolved  
in a detail in a way that was intelligent and beautiful. He also had a great love  
of cinema, so he would bring in certain allusions from that medium as well. You  
can also see that in the High Line, with the unfolding overtime; it’s a cinematic  
sequence. He would bring that delight. Once there was a discovery about what  
we were going to do, there was joy in figuring out how to do it, drilling into this  
specific way to resolve that concept in the form of material detail.  
Moving into the academic part of his career, what do you  
RSTM. think, in your own experience, his approach to teaching  
was, and how was the way the practice studio also collaborated with the way  
he was teaching?  
I can’t really speak to his teaching specifically, having not had  
BT. him as a teacher, and he wasn’t still teaching at Cooper [Union]  
when I started at DS+R. I did occasionally have him as a critic at Princeton  
because I had Liz [Diller] as a professor. The first time I met Ric was during  
a critique at Princeton for my master’s studio with Liz Diller, and I can say  
he was very incisive.  
Brian Tabolt, Rocío Santo-Tomás Muro, Jaime Sanz Haro. Sobre Antonio Ricardo Scofidio.  
Una conversación con Brian Tabolt. About Antonio Ricardo Scofidio. A conversation with Brian Tabolt. 13-33 pp.  
15 | Constelaciones nº 14, 2026. ISSN: 2340-177X  
DOI: https://doi.org/10.31921/constelaciones.n14c1  
Princeton porque Liz [Diller] era mi profesora. La primera vez que conocí a Ric  
fue durante una crítica en Princeton, en mi estudio de máster con Liz Diller, y  
puedo decir que fue muy incisivo.  
Algo que siempre aprecié de él, y que también le vi hacer en el estudio,  
es que hablaba del punto en el que tu concepto estaba a punto de desmoro-  
narse. Era muy directo y, en cierto modo, muy franco, pero estaba claro que su  
perspectiva provenía de la realidad de intentar construir conceptos.  
Creo que hay muchas personas que se sienten cómodas con la tectó-  
nica y la construcción, y hay otras que se sienten cómodas con la arquitectura  
conceptual, con grandes ideas. A veces esas personas no se hablan entre sí.  
Lo que siempre me ha interesado es el trabajo impulsado por ideas, en el que  
la idea tiene un impacto en la experiencia de las personas en el edificio. ¿Van  
a verse afectadas por ese concepto las personas que recorren tu edificio? ¿O  
es solo algo esotérico de lo que hablan los arquitectos entre arquitectos?  
Esa, creo, fue mi experiencia en un contexto docente: que él tenía la  
capacidad de entender y hablar sobre conceptos, ideas y arquitectura, pero  
luego podía acercarse al punto donde todo podía venirse abajo para ayudarte  
a reforzarlo y averiguar cómo iba realmente a resonar en la experiencia del  
edificio una vez saliera del papel. Y creo que también era muy bueno en eso en  
el estudio. Te ayudaba a pensar el proyecto, a preguntarte si todo ese esfuerzo  
que estabas poniendo iba a repercutir en la experiencia humana del espacio,  
del detalle o de aquello con lo que estuvieras lidiando  
Creo que ser parte de un jurado también es una forma de ser  
JSH. profesor; la única diferencia es que esa persona es tu profesor  
Something I always appreciate about him is, and I saw him do this in  
the studio as well, was that he would talk about the point where your concept  
was going to break down. He was very direct and very blunt in a way, but it was  
clear that his perspective came from the reality of trying to build concepts.  
I think there’s a lot of people who are comfortable in tectonics and  
building, and there’s some people who are comfortable with conceptual ar-  
chitecture that has big ideas. Sometimes those folks don’t talk to each other.  
What I’ve always been interested in is idea-driven work, where the idea has an  
impact on the experience of people in the building. Are the people who walk  
through your building going to be impacted by that concept? Or is it just an  
esoteric thing that architects are talking to architects?  
I think that was my experience in a teaching context as he was able  
to bring that ability to understand and talk about concepts and ideas and  
architecture, but then zoom in on where it could fall apart to help you shore  
that up and figure out how it was really going to resonate with the experi-  
ence of the building when it came off the page. And I think he was very good  
at that in the studio as well. He helped you figure out how to think about  
the project, whether all this effort you were putting in was going to impact  
the human experience of space, of detail, of whatever it was that you were  
wrestling with.  
I think being a reviewer in a jury is a way of being professor  
JSH. also, the only difference is that that person is your professor  
just for a very short period, but is a way of teaching reviews at the end of the  
day is a different kind of class, right?  
Brian Tabolt, Rocío Santo-Tomás Muro, Jaime Sanz Haro. Sobre Antonio Ricardo Scofidio.  
Una conversación con Brian Tabolt. About Antonio Ricardo Scofidio. A conversation with Brian Tabolt. 13-33 pp.  
16 | Constelaciones nº 14, 2026. ISSN: 2340-177X  
DOI: https://doi.org/10.31921/constelaciones.n14c1  
solo durante un periodo muy breve. Pero, al fin y al cabo, es una forma de  
enseñanza: las críticas son simplemente otro tipo de clase, ¿no?  
El trabajo de Diller Scofidio comenzó en la década de 1980,  
JSH. una década marcada por el movimiento posmoderno. ¿Cómo  
influyó esta manera de pensar la arquitectura en el trabajo del estudio?  
Liz sigue diciendo hoy en día que no es arquitecta y que su for-  
BT. mación proviene del arte. Creo que ahí es donde ambos se en-  
contraron. A los dos les interesaban el espacio, la estructura, la escultura y la  
experiencia, pero también cosas como el teatro. Normalmente, Liz y Ric dicen  
que su artista favorito y su mayor inspiración fue Duchamp. Se lo oí decir otra  
vez hace dos semanas, y eso lo explica todo. Volviendo a tu pregunta, creo que  
esa es su versión del posmodernismo. Tiene que ver con la reflexividad y la  
autoconciencia, y con la producción de significado que surge entre la persona  
que experimenta la obra y la obra misma. El significado se produce ahí, en ese  
espacio intermedio, y no exclusivamente en el artista.  
También existe un interés por una sensibilidad hacia los materiales  
y por utilizarlos de un modo provocador, no siempre de la manera “honesta”  
del modernismo. Hay una inclinación a darle la vuelta a lo cotidiano, a re-  
plantear los elementos del día a día. En el proceso, en correr el telón para  
mostrar cómo se hacen las cosas, ya sea el edificio real o la pieza misma. En  
los trabajos más recientes, esa técnica se emplea al servicio de la democrati-  
zación institucional, revelando los engranajes internos. Ya sea en The Broad,  
donde hay un momento en que se puede ver el almacenamiento del arte al  
The work of Diller Scofidio began in the 1980s, a decade marked  
JSH. by the Postmodern movement. How did this way of thinking  
about architecture influence the studio’s work?  
Liz will to this day say that she’s not an architect and frame her  
BT. background as coming from art. I think that’s where the two came  
together. They were both interested in space, structure, sculpture, experience,  
but also things like theater. Usually, Liz and Ric both say that their favorite  
artist and biggest inspiration was Duchamp. I heard her say that again two  
weeks ago, and that is very telling. To come around to your question, I think  
that’s their version of post-modernism. It’s about reflexivity and self-awareness  
and the production of meaning that lives between the person experiencing  
the work and the work. Meaning is produced there, in the space between, and  
not exclusively by the artist.  
There’s also an interest in a sensibility around materials and using  
them in a provocative way, not always in the “honest” way of modernism.  
There’s a sensibility to turn the everyday upside down, to rethinking things  
from the everyday. In process, in pulling back the curtain on how things are  
made, whether that’s the actual building or piece itself. In the more recent  
work, that technique is used in service of institutional democratization, re-  
vealing the inner workings. So whether that’s at The Broad, where there’s a  
moment where you see the storage of the art on the way out of the building  
or, in the recently completed V&A [East Storehouse] that Ric was involved  
in, where it’s really about a whole building designed to give the public access  
to something behind the scenes, or other slippages like the work at Lincoln  
Brian Tabolt, Rocío Santo-Tomás Muro, Jaime Sanz Haro. Sobre Antonio Ricardo Scofidio.  
Una conversación con Brian Tabolt. About Antonio Ricardo Scofidio. A conversation with Brian Tabolt. 13-33 pp.  
17 | Constelaciones nº 14, 2026. ISSN: 2340-177X  
DOI: https://doi.org/10.31921/constelaciones.n14c1  
salir del edificio, o en el recientemente terminado V&A [East Storehouse],  
en el que Ric participó y donde todo el edificio está diseñado para dar al  
público acceso a lo que normalmente queda entre bastidores; o en otros  
deslizamientos similares, como en el trabajo en Lincoln Center, donde el  
espacio de ensayo de la escuela de ballet queda expuesto al público, creando  
una relación activa entre quien mira y lo mirado. Podría citar muchos otros  
ejemplos, pero creo que ahora está tan integrado en el trabajo que ya ni  
siquiera hablamos de ello.  
Creo que estaban menos interesados en las interpretaciones históri-  
cas del posmodernismo y, estilísticamente, se encontraban más cerca de ser  
arquitectos modernistas. Pero un tipo de modernismo en el arte que podría  
decirse que fue la semilla del posmodernismo. Ese tipo de cuestionamiento  
autorreflexivo, esa atención a la forma y al medio de la obra, es lo que creo  
que han mantenido y en lo que Ric estaba interesado, a diferencia de un  
modernismo que asumía que podíamos resolver los problemas mediante la  
tecnología. Había interés en la tecnología, sí, pero siempre cuestionando cómo  
generaba interferencias o capas de complejidad y comunicación.  
Si salía el tema de la arquitectura posmoderna de los 80 o 90, la res-  
puesta en el estudio era un no: no acercarse a eso. Yo diría que no había mucho  
interés en el posmodernismo, pero no se trataba necesariamente de revisitar  
cuestiones históricas; más bien se trataba de lo que estaba ocurriendo en ese  
momento: cuestionar narrativas y significados.  
Podemos decir que sus primeros trabajos se basaban  
RSTM. en un pensamiento utópico y en la experimentación de  
Center, where the ballet school’s practice space is revealed to the public and  
there’s this relationship between the viewer and the view that’s activated. I  
could list a lot of other examples, but I think that it’s now so embedded in the  
work now that we don’t even talk about it.  
I think they were less interested in the historical interpretations of post-  
modernism, and, stylistically, were closer to being modernist architects. But a  
strain of modernism in art that you could say was the seed of postmodernism.  
That’s the kind of self-reflexive questioning, drawing attention to the form and  
the medium of the work that I think they’ve carried on and that Ric was inter-  
ested in, as opposed to modernism that assumed we could solve problems with  
technology. There’s an interest in technology but always questioning how it’s  
creating interferences or layers of complexity and communication.  
If postmodern architecture of the 80s or 90s comes up, that’s a no  
in the studio, not to go anywhere near that. I would say there wasn’t a lot of  
interest in postmodernism, but it wasn’t necessarily in revisiting historical  
things; it was really about what was happening at that moment; breaking up  
and questioning narratives and meaning.  
We can say that his early work was rooted in utopian  
RSTM. thinking and avant-garde experimentation. How do you  
think those visionary beginnings shaped his approach to innovation in archi-  
tecture and design throughout his career?  
I would push back on one thing; I don’t think that they’ve ever been  
BT. utopian. I think they were visionary or speculative, yes, but I think  
Brian Tabolt, Rocío Santo-Tomás Muro, Jaime Sanz Haro. Sobre Antonio Ricardo Scofidio.  
Una conversación con Brian Tabolt. About Antonio Ricardo Scofidio. A conversation with Brian Tabolt. 13-33 pp.  
18 | Constelaciones nº 14, 2026. ISSN: 2340-177X  
DOI: https://doi.org/10.31921/constelaciones.n14c1  
vanguardia. ¿Cómo crees que esos comienzos tan visionarios influyeron en su  
manera de innovar en arquitectura y diseño a lo largo de su carrera?  
Discreparía en un punto: no creo que su trabajo haya sido nunca  
BT. utópico. Visionario o especulativo, sí, pero creo que es una dis-  
tinción importante. Incluso en proyectos tempranos como Blur, no creo que  
se plantearan desde una idea de utopía. Es un proyecto sobre un lago:  
¿podemos hacer algo muy específico a partir de lo que existe en este lugar  
concreto? Es temporal. ¿Cómo podemos activarlo? Esta nube cambia con el  
tiempo. Liz y Ric no eran realmente ‘arquitectos de papel’. Incluso cuando  
hacían trabajos más especulativos, sin cliente o no tradicionales, siempre  
eran cosas reales: una instalación, una pieza de teatro o una escultura.  
Imaginar una ciudad en sentido utópico no era algo que interesara a Ric;  
le interesaba trabajar con momentos muy concretos en el tiempo y en el  
espacio.  
Curiosamente, a medida que el estudio ha madurado, tenemos un ca-  
tálogo mayor de ideas que aún no hemos podido construir. Un buen ejemplo  
es la instalación de la Bienal de Venecia de este último año: era una idea de  
hace quince años, convertir el agua de los canales en un espresso. Sigue siendo  
una respuesta muy específica al lugar (¿Qué podría ser más veneciano?), pero  
de un modo extraño y provocador. Llama la atención sobre dónde estás y qué  
estás haciendo. Esa idea llevaba tiempo en gestación. Muchas ideas surgen en  
distintos proyectos y, a veces, tenemos la oportunidad de realizarlas. Creo que  
lo mejor del estudio se mantiene fiel a ese enfoque: ser muy específicos y no  
pretender resolver un gran problema universal. Y, al mismo tiempo, dentro de  
it’s an important distinction. Even early projects like Blur, I don’t think they  
positioned themselves as being in a utopia. It’s a project on a lake. Can we  
make something very specific out of what’s here in this specific place? It’s  
temporary. How can we activate that? Okay, this cloud changes over time. Liz  
and Ric weren’t really “paper architects”. Even when they were doing more  
speculative or clientless, or non-traditional work, it was always “a real thing”. It  
was a real installation or a real piece of theater or a sculpture. I think the idea  
of just envisioning a city that could exist in that kind of utopian sense was  
not something that Ric was really interested in. He was interested in engaging  
with highly concrete moments in time and space.  
In a funny way, as the office has aged, we have a bigger catalog of  
ideas that we’ve had that we haven’t gotten to build. There’s a good example  
in the Venice Biennale installation this past year, it was a 15-year-old idea.  
This notion of turning the Venice canal water into an espresso. It remains a  
very specific response to the place. What could be more Venetian? But in a  
perverse, weird way. It’s drawing your attention to where you are and what  
you’re doing. That idea has gestated for a while. Having a set of ideas that  
have come up on projects and sometimes we get a chance to realize them. I  
think the best work of the studio remains consistent in that approach to be  
very specific and not trying to claim that we’re solving some huge problem  
for everybody. At the same time, within that approach, it’s also very bold and  
speculative in how far we could take that.  
Obviously, Blur is maybe the strongest example of making a building  
out of a lake in a really direct and ambitious way that’s not just a metaphor.  
Coming back to the High Line, I think it’s what distinguished us in the begin-  
Brian Tabolt, Rocío Santo-Tomás Muro, Jaime Sanz Haro. Sobre Antonio Ricardo Scofidio.  
Una conversación con Brian Tabolt. About Antonio Ricardo Scofidio. A conversation with Brian Tabolt. 13-33 pp.  
19 | Constelaciones nº 14, 2026. ISSN: 2340-177X  
DOI: https://doi.org/10.31921/constelaciones.n14c1  
esa especificidad, el trabajo puede ser audaz y especulativo en hasta dónde  
podemos llevar las ideas.  
Blur es quizás el ejemplo más fuerte: hacer un edificio a partir de un  
lago de una forma directa y ambiciosa que no es solo una metáfora. Y vol-  
viendo a la High Line, creo que lo que nos distinguió al principio de tantos  
competidores de alto perfil fue que muchos buscaban algo más utópico o una  
estructura con su propio lenguaje formal. Para DS+R, en cambio, el lema era  
“mantenerlo como era”: ¿Cómo preservar esa experiencia de descubrimiento  
del lugar, entendiendo que debe adaptarse a tanta gente? ¿Qué podemos  
hacer con el material que ya existe allí? Cuando presento la High Line, muestro  
una serie de imágenes: una de cuando estaba abandonada y otra del diseño  
final. La gente se sorprende al ver lo directa que es la traducción de la vege-  
tación original, y cómo la intervención encuentra una forma de recorrerla sin  
destruirla. Esa era la parte visionaria: ser imaginativos trabajando con lo que  
uno encuentra.  
Diller Scofidio + Renfro ha dejado una huella indeleble en el  
JSH. paisaje cultural de Nueva York, desde la High Line hasta Lincoln  
Center y más allá. En tu opinión, ¿qué distingue la aportación del estudio a la  
identidad de la ciudad y cómo ha transformado su trabajo la manera en que  
experimentamos los espacios públicos y culturales?  
Hay varias formas de responder a eso. Ric y Liz son neoyorquinos, y  
BT. Charles es de Texas, pero creo que también encarna esa experiencia  
que muchos hemos tenido de llegar a Nueva York, encontrar una familia elegida  
ning from all these very high-profile competitors is that they were trying to  
have something more utopian or some structure that was going to have their  
formal language. Instead, for DS+R “keep it as it was” in the motto: how can  
we allow this experience of finding this discovered place to continue while  
understanding that it will need to adapt to all these people? What can we  
make out of the material that’s there? Whenever I present the High Line, I have  
this series of images where you see a photograph from where it was when it  
was unoccupied and the final design. People are surprised to see how direct  
the translation of the plants is, with the intervention finding a way to move  
you through that without destroying it. That was the visionary part, just being  
imaginative about working with things that are found.  
Diller Scofidio + Renfro has left an indelible mark on New York  
JSH. City’s cultural landscape, from the High Line to Lincoln Center  
and beyond. In your view, what distinguishes the studio’s contribution to the  
city’s identity, and how has their work reshaped the way we experience public  
and cultural spaces?  
There’s a couple of answers to that. Ric and Liz are New Yorkers, and  
BT. Charles is from Texas, but I think he also represents an experience  
that many of us have had of finding oneself in New York and finding a chosen  
family, and his freedom to be who he wanted to be. There’s something amazing  
about getting to design and intervene in the city that you live in, where you still  
have to live with it and deal with it. Obviously, there are many architects who  
live in New York and work in New York, but I think there’s a love there, certainly  
Brian Tabolt, Rocío Santo-Tomás Muro, Jaime Sanz Haro. Sobre Antonio Ricardo Scofidio.  
Una conversación con Brian Tabolt. About Antonio Ricardo Scofidio. A conversation with Brian Tabolt. 13-33 pp.  
20 | Constelaciones nº 14, 2026. ISSN: 2340-177X  
DOI: https://doi.org/10.31921/constelaciones.n14c1  
y la libertad de ser quien uno quiere ser. Hay algo muy especial en diseñar e  
intervenir en la ciudad donde vives, donde después tienes que convivir con lo  
que haces. Por supuesto, muchos arquitectos viven y trabajan en Nueva York,  
pero en su caso hay un vínculo especial (sin duda por parte de los socios, y  
quizá de todo el estudio) y un agradecimiento profundo por poder trabajar  
en estas instituciones. Se podría contar toda una historia de DS+R desde ins-  
talaciones como Para-Site (1989) en el MoMA, un trabajo que hablaba de la  
experiencia del visitante, hasta, treinta años después, la ampliación del propio  
MoMA, intentando llevar esa misma sensibilidad a un contexto totalmente  
distinto. Hay una relación larga y genuina de compromiso y entendimiento  
con estas instituciones.  
Sin repetirme demasiado, la idea nunca es “traer aquí un experimento  
arquitectónico caído del cielo”, sino más bien “tenemos ideas sobre esto por-  
que lo vivimos, lo conocemos, nos importa y queremos llevarlo más lejos”.  
El hilo que une proyectos como Lincoln Center y la High Line es la voluntad  
de democratizar esas instituciones y hacerlas más accesibles. En el caso de  
la High Line, buscábamos que fuera utilizable y accesible de un modo que  
compartiera la experiencia que Liz, Ric y Charles habían tenido al recorrerla  
clandestinamente antes de su transformación. También hay un profundo res-  
peto por cómo se hace el arte. Diseñamos espacios para artistas y músicos,  
pero también colaboramos con ellos: creamos obras de teatro, escenografías,  
piezas artísticas. Llegamos a esos proyectos desde ambos lados de la relación.  
Ese entendimiento como arquitectos y artistas nos permite llevar esos espacios  
más lejos. Creo que formamos parte de un movimiento mayor, pero Ric y Liz  
estuvieron a la vanguardia en reconocer estas instituciones culturales y en in-  
from the partners and maybe from the whole studio to a certain degree, and an  
appreciation that we get to work on these institutions. There’s a real story you  
could tell about DS+R from the installation in MoMA like Para-Site (1989). It’s  
about making the commentary and the feedback of the visitors. And then, 30  
years later, doing the expansion of the MoMA in a very different place, trying  
to bring a similar sensibility. There’s a long history there of being patrons of  
these institutions, caring about them, understanding them.  
At the risk of being repetitive, hopefully it’s less about “we want to  
bring this architectural experiment from outer space into here”, but more like  
“we really have some ideas about this because we live it, we engage with it, we  
care about it, we want to take it somewhere”. The theme that tends to unite  
things from Lincoln Center to the High Line is democratizing those institutions  
and trying to make them more approachable. In the case of the High Line, it  
is accessible and usable in a way that could share the experience that Liz,  
Ric and Charles had of climbing around the High Line illicitly before it was  
what it is today. There’s an appreciation of the way that art is made. Because  
we both design space for artists and musicians, but we also collaborate, we  
make plays and sets and art pieces; we also come to it from both sides of  
that relationship. Understanding this as architects and artists helps us push  
those spaces further. I think we’re part of a larger movement here, but Ric and  
Liz were at the vanguard of appreciating these cultural institutions, trying  
to make them feel available, accessible. There’s probably no more dramatic  
example of that than their work at Juilliard. That was a closed box that not  
only displaced neighborhoods of people for this kind of highbrow culture,  
but also, did it in a way that was very introverted, that really didn’t welcome  
Brian Tabolt, Rocío Santo-Tomás Muro, Jaime Sanz Haro. Sobre Antonio Ricardo Scofidio.  
Una conversación con Brian Tabolt. About Antonio Ricardo Scofidio. A conversation with Brian Tabolt. 13-33 pp.  
21 | Constelaciones nº 14, 2026. ISSN: 2340-177X  
DOI: https://doi.org/10.31921/constelaciones.n14c1  
tentar hacerlas más abiertas y accesibles. Quizás no haya un ejemplo más claro  
que su intervención en Juilliard. Era literalmente una caja cerrada, que no solo  
había desplazado barrios enteros para albergar esta cultura ‘elevada’, sino que  
además lo hacía de un modo completamente introvertido, sin invitar al público  
ni mostrar lo que ocurría dentro. Era una caja opaca, inaccesible en muchos  
sentidos. Las intervenciones de DS+R allí resultan hoy tan naturales que, si no  
viste el edificio antes, cuesta imaginar lo radical de aquella transformación:  
conectar, acoger y abrir la escuela a estudiantes, artistas y a la ciudad. He  
pasado mucho tiempo en ese edificio y, tanto desde dentro como desde fuera,  
uno siente realmente: “Estoy en Nueva York”. Ves la vida del edificio volcarse  
hacia la calle. Invita a un diálogo donde la interpretación artística se convierte  
en parte de la vida cotidiana. Ese fue también el espíritu del Mile-Long Opera y  
de tantas cosas que hemos hecho en la High Line. Ese legado de unir arte y vida  
en la ciudad; una ciudad rebosante de cultura y energía, pero que a menudo  
parece reservada a ciertos públicos o inaccesible para quienes piensan que no  
tienen las claves para participar. Es el legado que más me interesa del trabajo  
que Ric, Liz y Charles han construido, romper esa barrera.  
Recuerdo que ese fue uno de los edificios que visité por  
RSTM. primera vez cuando vivía en Nueva York como estu-  
diante. Encapsulaba exactamente lo que yo imaginaba que sería ser estu-  
diante en Nueva York.  
Centrémonos en la High Line: ¿A qué aspecto atribuyes el  
RSTM. enorme éxito del proyecto? No me refiero solo a su éxito  
anybody in to participate with that and conversely didn’t share what was  
going on in the school. So, you had this blank box that was indecipherable  
and impossible to enter in some ways. I think the interventions there feel  
so natural that it’s almost like it was always there, if you didn’t experience it  
before, hard to imagine how big of a transformation that was to connect and  
welcome students, performers and artists in New York. I’ve spent a lot of time  
in that building, and you see the outside, as a student, as an artist, you really  
realize, “Hey, I’m in New York City here”. You see the life of the building spilling  
out into the city. It really invites a dialogue where our performance becomes  
part of everyday life. I think that was the spirit of the mile-long opera and all  
these other things that we’ve done with the High Line as well. It’s that legacy  
of bringing art and life together in the city, in a city that has so much culture  
and so much life, but is often understood as being for a certain audience or  
where people feel uncomfortable if they don’t have the knowledge to engage  
with the work. That is the legacy that I’m most interested in, of the work that  
Ric and Liz and Charles have done, breaking that wall down.  
I remember that was one of the buildings that I first visited  
RSTM. when I was living in New York as a student. It encapsulated  
what my imagination of what being a student in New York would be.  
Focusing on the Highline, to what aspect do you attribute  
RSTM. to the project’s enormous success? I am not referring only  
to its architectural success, but rather to the social success of the proposal.  
Is its success itself a critique of the lack of public and green infrastructure in  
Brian Tabolt, Rocío Santo-Tomás Muro, Jaime Sanz Haro. Sobre Antonio Ricardo Scofidio.  
Una conversación con Brian Tabolt. About Antonio Ricardo Scofidio. A conversation with Brian Tabolt. 13-33 pp.  
22 | Constelaciones nº 14, 2026. ISSN: 2340-177X  
DOI: https://doi.org/10.31921/constelaciones.n14c1  
arquitectónico, sino también al éxito social de la propuesta. ¿Es su éxito, en sí  
mismo, una crítica a la falta de infraestructuras públicas y espacios verdes en  
algunas ciudades contemporáneas? ¿O se debe más bien a las circunstancias  
específicas de la ciudad de Nueva York?  
Creo que es un poco de todo eso. Tengo sentimientos encontrados  
BT. sobre el efecto que tuvo la administración Bloomberg en Nueva  
York, después de haber vivido en la ciudad durante ese periodo de trans-  
formación. Creo que muchos barrios perdieron parte de su carácter. Pero  
volveré a eso; lo que sí diría es que hubo una inversión extraordinaria en  
espacios verdes.  
Sería crítico, o al menos cuestionaría, las asociaciones público-priva-  
das que sustentaron esta tendencia. La High Line también es una asociación  
pública-privada, y en este caso es un ejemplo exitoso porque la entidad pri-  
vada, Friends of the High Line, se creó para preservar y generar espacio pú-  
blico. Otras, quizá, estuvieron más impulsadas por promotores inmobiliarios.  
Existen dudas sobre cómo nuestro espacio público en Estados Unidos está  
cada vez más al servicio del valor de la propiedad y del desarrollo urbano. Pero,  
como neoyorquino, creo que la High Line formó parte de una gran expansión  
de espacios verdes que incluyó Brooklyn Bridge Park, las intervenciones en  
los frentes marítimos de Williamsburg y Greenpoint, y el desarrollo del West  
Side Highway Greenway. Todo ello ha mejorado mucho la calidad de vida en  
la ciudad.  
En cierto modo, no creo que se trate de una falta de espacios públicos,  
porque ya teníamos algunos de los más icónicos del mundo, como Central Park  
some contemporary cities? Or is it attributable to the specific circumstances  
of New York City?  
I think it’s a bit of all that. I have mixed feelings about the Bloomberg  
BT. administration’s effect on New York, having lived in New York  
through that period of transformation. I think many neighborhoods lost their  
character in a way. But I’ll loop back to that, but I will say that there was an  
incredible investment in green space.  
I would be critical or at least questioning the private public partner-  
ships that underpinned this trend. The High Line is also a public-private part-  
nership, an example of a successful one because the private entity was created  
to preserve and create public space by the Friends of the High Line. Others  
were maybe driven by developers. There are questions about our public space  
in America, increasingly in service of property values and development. But as  
a New Yorker, I think that the High Line was part of a huge expansion of green  
space that included Brooklyn Bridge Park and things along the Williamsburg  
Waterfront and Greepoint Waterfront; the development of the West Side High-  
way Greenway. That’s really improved the quality of life in the city.  
In a way, I don’t know that it’s part of a lack of public spaces, because  
we already had some of the most iconic public spaces in the world, like Central  
Park and Prospect Park. I think there was a real investment in more public  
space on the waterfront and spaces that could be used for recreation, the  
High Line was part of that. Why it gets more attention than anything else  
among those projects, arguably, is the specificity of both the experiences. It  
was very fitting for us to do that project with Field Operations because it’s  
Brian Tabolt, Rocío Santo-Tomás Muro, Jaime Sanz Haro. Sobre Antonio Ricardo Scofidio.  
Una conversación con Brian Tabolt. About Antonio Ricardo Scofidio. A conversation with Brian Tabolt. 13-33 pp.  
23 | Constelaciones nº 14, 2026. ISSN: 2340-177X  
DOI: https://doi.org/10.31921/constelaciones.n14c1  
y Prospect Park. Creo que lo que hubo fue una inversión real en más espacios  
públicos frente al agua y en zonas destinadas al ocio, y la High Line formaba  
parte de ese impulso. ¿Por qué recibe más atención que otros proyectos?  
Probablemente, por la especificidad de la experiencia. Fue muy adecuado que  
lo hiciéramos junto con Field Operations, porque se trata de revelar una parte  
de la ciudad que normalmente no se ve, especialmente si no eres neoyorquino.  
Quizá, como neoyorquino, hayas vivido en un apartamento que da a un patio  
interior o hayas estado en un tercer piso desde el que se ve una avenida. Pero  
para quienes visitan Nueva York, la High Line es una forma de acceder a una  
experiencia “entre bastidores”, porque atraviesas la manzana: tu cuerpo ocupa  
lugares en los que normalmente no podrías estar, incluso siendo neoyorquino,  
y mucho menos si solo visitas la ciudad.  
Una de las cosas que siempre recuerdo es caminar por la High Line  
cuando abrió y escuchar a desconocidos explicar a sus familiares visitantes  
qué era la High Line y cómo había sido antes. Había un verdadero sentido de  
apropiación. A la gente le gusta compartir lo que sabe, contar lo que ocurre,  
revelar anécdotas. Y creo que el diseño conserva precisamente eso: mantiene  
el énfasis. Estuve allí hace un par de semanas con un grupo, y creo que la  
experiencia oscila entre la naturaleza y esa ecología única creada por los  
trenes al pasar, dejando caer semillas de todo el país que arraigaban en la vía  
y formaban una mezcla extraña de plantas. Es un jardín, sí, pero un jardín muy  
específico de especies nativas, hierbas espontáneas y plantas diversas. Para  
muchas personas es revelador verlo con esa intensidad. Es como asomarse  
entre bastidores de Nueva York; ves dentro de los apartamentos. Ningún otro  
espacio verde ofrece esa experiencia de la misma manera.  
about revealing a part of the city that you don’t see, especially if you’re not  
a New Yorker. Maybe if you are a New Yorker, you’ve had an apartment that  
faces the inside courtyard and you see these weird spaces, or you’ve been on  
the third floor of your friend’s building, and you see a view down an avenue.  
Particularly for visitors to New York, it’s a way of getting a behind-the-scenes  
New York experience because you’re moving through the block. Your body is  
just in these places that you don’t get to be, even as a New Yorker, but espe-  
cially if you don’t live there.  
One of the things that really stuck with me is this experience when  
the High Line was open, walking down and hearing strangers explain to their  
visiting family members what was going on with the High Line and what it used  
to be. There’s like a real sense of ownership over it. People like to share their  
knowledge, talk about what’s going on, like to reveal these anecdotes about  
people. I do think the design preserves that. It keeps the emphasis. I was just  
up there with a group visiting a couple of weeks ago, and I think it’s just an  
oscillation between nature and this unique ecology that came from the trains  
going down the track and dropping seeds from all over the country and landing  
in the rail bed and growing up as this weird mix of plants. It’s a garden at the  
end of the day, but a very specific garden of native species and random weeds  
and plants. That’s revelatory for people to see at that level of intensity. It’s a  
glimpse behind the curtain of New York; you look into people’s apartments.  
That’s something that no other green space gives you in the same way.  
I know it is difficult to choose just a few works from the studio’s  
JSH. entire body of work, but would it be possible to select those  
Brian Tabolt, Rocío Santo-Tomás Muro, Jaime Sanz Haro. Sobre Antonio Ricardo Scofidio.  
Una conversación con Brian Tabolt. About Antonio Ricardo Scofidio. A conversation with Brian Tabolt. 13-33 pp.  
24 | Constelaciones nº 14, 2026. ISSN: 2340-177X  
DOI: https://doi.org/10.31921/constelaciones.n14c1  
Sé que es difícil elegir solo algunas obras dentro de todo el  
JSH. trabajo del estudio, pero ¿sería posible seleccionar aquellas  
que, en tu opinión, han tenido, o tienen el potencial de tener, una mayor in-  
fluencia en el futuro de nuestra profesión?  
Es una de esas cuestiones que casi no nos corresponde a nosotros  
BT. responder. Intentando dar una respuesta más completa, creo que  
Blur sigue siendo, para mí, un punto culminante en cuanto a la ambición que  
puede tener la arquitectura y la imaginación que puede aportar. No sé si ha  
influido directamente en otros, porque fue tan potente que, en cierto modo,  
incluso para nosotros es difícil volver a alcanzar ese nivel. Creo que ocupa  
un lugar importante en el imaginario de muchos arquitectos, sin duda en mi  
generación. Me gustaría saber qué lugar ocupa para las generaciones más  
jóvenes, pero fue un proyecto que mostraba lo que la arquitectura podía llegar  
a ser. Y aunque no podamos señalar muchos ejemplos de influencia directa,  
quizá sí influya en la imaginación y la ambición de lo que pensamos que la  
arquitectura puede llegar a abarcar.  
Desde la perspectiva opuesta, la High Line ha sido claramente muy  
influyente en la recuperación de infraestructuras en desuso. Cuando veo pro-  
yectos que podrían vincularse a ella, me alegra ver la idea de activar y reuti-  
lizar estos elementos en lugar de demolerlos para sustituirlos por desarrollos  
convencionales. Pero también me pregunto si mucha gente ha pasado por  
alto la lección principal de su éxito, de la que he hablado hoy: la contención,  
la atención minuciosa a lo que ya existía y la renuncia a una intervención  
excesivamente autoral. A menudo vemos ejemplos en los que se celebran  
that you think have had —or have the potential to have— the greatest influence  
on the future of our profession?  
It’s one of those things that’s almost not for us to say. To try to an-  
BT. swer that question in a more complex way, I think Blur, to me, still  
stands as a real high point for the ambition that architects can have, and the  
imagination that can be brought. I don’t know if I see that influencing people,  
because it was so strong to a certain degree that it’s hard even for us to hit that  
mark again to some extent. I think it lives large in the imagination of architects,  
and certainly, in my generation. I would be curious to know where it lives for a  
younger generation, but that was inspiring as to what architecture could be.  
And even if we can’t point to a lot of examples of directly influencing people,  
it may influence like the imagination and ambition of what we can think about  
architecture expanding into.  
To take the opposite framing, the High Line has clearly been very influ-  
ential in terms of recapturing unused infrastructure. I wonder whether, when I  
see examples of projects that we could link back to that, I’m happy to see that  
notion of trying to find a way to activate and use these things and not tear  
them down and replace them with more normative development. I do wonder  
if people missed the lesson that I’ve been talking about a lot today, which is  
why it’s successful. I think it is this restraint, this close attention to what was  
there, and pulling back the strong hand of the architect. A lot of times, other  
examples we see are more celebratory of signature moves and interventions  
are adding a lot more than they’re turning up the heat on what’s there. That’s  
a lesson that I wish would be taken away a little bit more.  
Brian Tabolt, Rocío Santo-Tomás Muro, Jaime Sanz Haro. Sobre Antonio Ricardo Scofidio.  
Una conversación con Brian Tabolt. About Antonio Ricardo Scofidio. A conversation with Brian Tabolt. 13-33 pp.  
25 | Constelaciones nº 14, 2026. ISSN: 2340-177X  
DOI: https://doi.org/10.31921/constelaciones.n14c1  
los gestos de autor, añadiendo mucho más de lo necesario en lugar de in-  
tensificar lo que ya estaba allí. Esa es una lección que me gustaría que se  
comprendiera mejor.  
Lincoln Center supuso un nuevo paradigma sobre cómo intervenir en  
un edificio modernista de gran valor histórico. Al menos en Estados Unidos,  
suele haber un debate binario: ‘es un edificio brutalista, al público no le gustan  
esos edificios’, o en el caso del modernismo, la idea de ‘preservarlo tal cual en  
una caja de cristal’ o, por el contrario, ‘demolerlo’.  
La idea de que se puede intervenir en un edificio o una institución que  
tiene un gran valor, pero también problemas arquitectónicos, y optar por un  
camino intermedio, ni conservarlo sin cuestionarlo, ni derribarlo, sino hacer  
una intervención fuerte que incorpore lo aprendido. Crear una relación más  
abierta entre el edificio, el público y quienes lo habitan, alejándose de esa  
cualidad de fortaleza. La noción de que es posible intervenir en la arquitectura  
modernista con fuerza, pero con respeto por el material original, entendiendo  
dónde funciona y qué merece ser preservado.  
Creo que esto ha influido en la forma en que arquitectos de todo el  
mundo se relacionan con este tipo de edificios, que históricamente han sido  
difíciles de actualizar o renovar sin una sensibilidad excesiva o sin miedo a  
intervenir.  
¿Crees que hay otras aportaciones vinculadas al estudio  
RSTM. que también podrían considerarse parte del legado de  
Ric? ¿Cuáles dirías que han sido algunas de las contribuciones más importan-  
tes del trabajo de DS+R al panorama arquitectónico contemporáneo?  
Lincoln Center was a new paradigm for how to intervene in a modernist  
building, historically significant. At least in the States, there tends to be a bit  
of a binary conversation, of, “it’s a brutalist building. The general public really  
hates those buildings”. And with modernism, there’s been a “preserve it ex-  
actly as it was in a glass box” attitude or the opposite, “let’s just demolish it”.  
The notion that you could take a building or an institution that has a  
lot of value, but also has problematic architecture, and take another path that’s  
not to preserve it without any questioning, nor to just tear it down, but rather  
to make a strong intervention that incorporates what we’ve learned. There  
feels like there’s a relationship between the public and whoever’s inhabiting  
the building that’s pushing away the fortress-like quality. I think the notion that  
we could make strong interventions in this era of modernism while still being  
respectful of the source material and understanding where it was successful  
or what’s worth preserving.  
I think that’s been influential in how you see the way that architects  
all over the world relate to specifically these buildings, which have been a  
challenge to update or renovate without this hypersensitivity or fear.  
Do you think there are other contributions that could be  
RSTM. linked to the studio that could be also part of Ric’s legacy.  
What do you think have been some of the most important contributions of  
DS+R work to the contemporary architectural landscape?  
The sensibility that Ric brought is a bit out of fashion right now. In a  
BT. way, I think because of that, it’s worth revisiting soon. In particular,  
Brian Tabolt, Rocío Santo-Tomás Muro, Jaime Sanz Haro. Sobre Antonio Ricardo Scofidio.  
Una conversación con Brian Tabolt. About Antonio Ricardo Scofidio. A conversation with Brian Tabolt. 13-33 pp.  
26 | Constelaciones nº 14, 2026. ISSN: 2340-177X  
DOI: https://doi.org/10.31921/constelaciones.n14c1  
La sensibilidad que Ric aportaba está un poco pasada de moda  
BT. ahora mismo. En cierto modo, por eso creo que pronto valdrá la  
pena revisitarla. En particular, llevo tiempo pensando en ese momento de  
finales de los 90 y comienzos de los 2000, cuando había un acercamiento a  
la tecnología de forma crítica, pero también lúdica y casi ‘atópica’: no distó-  
pica, no utópica, sino una actitud interrogativa y juguetona que surgió entre  
muchos artistas y algunos arquitectos de aquella época.  
Un interés por la tectónica y por cómo se ensamblan las cosas, combi-  
nado con un espíritu lúdico y quizá con cierta autoconciencia: usar el detalle para  
llamar la atención sobre cómo están hechas las cosas, cómo se unen, aprovechar  
nuevas tecnologías de fabricación sin miedo ni nostalgia por lo antiguo. Era, en  
cierto modo, anti-nostálgico. Creo que el trabajo de Ric, Liz y otros estaba com-  
pletamente libre de nostalgia por un futuro o un pasado idealizado. Hoy vivimos  
un momento bastante nostálgico, y creo que eso también afecta a la arquitectura.  
Hay muchas excepciones, pero existe una tendencia a volver a lo có-  
modo: a materiales agradables, a cierta humildad que también tiene que ver  
con los tiempos de austeridad recientes y con la responsabilidad que sienten  
los arquitectos. Nada de esto es necesariamente negativo, pero a veces puede  
resultar limitante. Son pocos los arquitectos que se acercan a cuestiones como  
la tecnología, la vigilancia, la sociabilidad o incluso temas como el alcohol,  
desde The Brasserie hasta instalaciones en el Whitney y otros proyectos an-  
teriores a mi etapa, o las drogas y su papel en cómo nos relacionamos con  
estos temas. Trabajar con todo ello de forma lúdica, en lugar de intentar llegar  
a una conclusión cerrada. Me gustaría (y no me sorprendería) que pronto se  
recuperara esa sensibilidad.  
I’ve been thinking a lot about this moment in the early 2000s or late 90s, an  
engagement with technology in a critical way that was also playful and sort of  
atopian, not really dystopian, not really utopian, but a playful questioning, a  
sensibility that arose between a lot of artists and some architects at that time.  
An interest in tectonics and the way things come together that also  
has playfulness and maybe self-awareness in its deployment of detailing to  
draw your attention to how things are made, how things are put together, using  
new technologies of fabrication and not being afraid of it or nostalgic for old  
things. It’s kind of anti-nostalgia, maybe as a way of summing it up. I think the  
work of Ric and Liz and others was very free of nostalgia for a future or a past  
that was somehow resolved. We’re living through a fairly nostalgic moment  
right now. I think that applies to architecture as well.  
There are many exceptions, but there’s an interest in returning to com-  
fort, to nice materials that are pleasant, a certain amount of humbleness, which  
I think is also impacted by the austerity of recent times and the responsibility  
that architects feel like they have. None of these things are necessarily bad,  
but I think that they can be somewhat limiting. Fewer architects engage in  
the way that Ric and Liz were interested in engaging with questions of tech-  
nology, surveillance, sociability, even things like alcohol. From the Brasserie  
to these installations that we did at the at the Whitney, and in other places  
a little bit before my time, drugs and what role they play being a little bit on  
the edge of how we engage with these questions. Being playful with them as  
opposed to trying to come to a conclusion on one side or the other. I hope to  
see, and wouldn’t be surprised to see, that sensibility starting to be revisited  
soon. To answer your question, I feel now we might be at a bit of a low point  
Brian Tabolt, Rocío Santo-Tomás Muro, Jaime Sanz Haro. Sobre Antonio Ricardo Scofidio.  
Una conversación con Brian Tabolt. About Antonio Ricardo Scofidio. A conversation with Brian Tabolt. 13-33 pp.  
27 | Constelaciones nº 14, 2026. ISSN: 2340-177X  
DOI: https://doi.org/10.31921/constelaciones.n14c1  
Para responder a tu pregunta, creo que ahora mismo quizá estemos  
en un punto bajo en términos de influencia. Podría decir que la democra-  
tización de las instituciones se ha convertido casi en un estándar, y eso es  
algo positivo. Creo que Ric, Liz y Charles contribuyeron a ello, y ese impacto  
está ahí. Volviendo a Ric, lo que más me interesa de su sensibilidad es que  
echo de menos ese momento; su fallecimiento me ha hecho pensar mucho en  
ello. Es irónico sentir nostalgia por un momento anti-nostálgico. Me pregunto:  
¿cómo podemos relacionarnos con nuestro presente de forma crítica, pero sin  
nostalgia, y al mismo tiempo de una manera lúdica, creando experiencias que  
a veces sean incómodas o provocadoras, pero que no sean completamente  
negativas? ¿Cómo extraer experiencias sorprendentes de esa actitud crítica?  
Creo que hoy somos muy rápidos en calificar algo como bueno o malo. Espero  
que esa influencia vuelva a cobrar fuerza.  
El legado de Ricardo Scofidio está profundamente incorpo-  
JSH. rado en el ADN de Diller Scofidio + Renfro. ¿De qué maneras  
ves que su visión y sus valores se están proyectando en el trabajo actual  
del estudio?  
Siento que todo lo que he mencionado hoy definitivamente sigue  
BT. vivo en el estudio. Contar con Ric allí, siendo esa voz, fue invaluable  
y se le echa muchísimo de menos. Estuvo trabajando en proyectos hasta el  
momento de su muerte, incluida la instalación de la Bienal de Venecia. Era  
algo en lo que había estado involucrado hace 15 años, y fue increíble verlo  
completar eso. La publicación de nuestra monografía retrospectiva, en la que  
of influence. I could say the democratization of institutions almost permitted  
the field to the extent now the baseline. And that’s great. I think that Ric and  
Liz and Charles were part of that, and that has had an impact. Coming back to  
Ric, what I find so interesting about his sensibility, I find myself longing for that  
moment again. And his passing has been a reason to think about it. Ironically,  
having a bit of nostalgia for an anti-nostalgia moment. I’ve been asking myself,  
how do we not just revisit the specific aesthetics of that moment? How to try  
to un-nostalgically engage with our moment and what’s going on in a critical  
way, but also in a playful way that produces experiences out of that, that are  
sometimes a bit uncomfortable and provocative, but also not just completely  
negative. It’s somehow pulling surprising experiences out of that critique. I think  
we’re very quick today to either say something is good or bad. I hope for that  
influence to reassert itself.  
Ricardo Scofidio’s legacy is deeply embedded in the DNA of  
JSH. Diller Scofidio + Renfro. In what ways do you see his vision and  
values being carried forward in the studio’s current work?  
I feel everything I’ve talked about today definitely lives on in the  
BT. studio. Having Ric there to be that voice was invaluable and is really  
missed. He was working on projects right until his death, including the Venice  
Biennale installation. That was something that he was involved with 15 years  
ago, and it was great to see him complete that. The release of our retrospective  
monograph, that he was involved in, was also something that happened before  
he passed away, and that was really nice.  
Brian Tabolt, Rocío Santo-Tomás Muro, Jaime Sanz Haro. Sobre Antonio Ricardo Scofidio.  
Una conversación con Brian Tabolt. About Antonio Ricardo Scofidio. A conversation with Brian Tabolt. 13-33 pp.  
28 | Constelaciones nº 14, 2026. ISSN: 2340-177X  
DOI: https://doi.org/10.31921/constelaciones.n14c1  
también participó, fue otra cosa que ocurrió antes de su fallecimiento, y fue  
realmente muy especial.  
Todavía tratamos de preguntarnos qué pensaría Ric sobre un deter-  
minado momento o una cuestión concreta. ¿Cómo abordamos los problemas  
de una manera específica al lugar, al programa y a la institución? El interés por  
la producción de significado entre el objeto y el espectador, la eliminación de  
barreras de acceso para la fusión entre las artes y la cultura. Todo eso sigue  
muy presente en el estudio y, obviamente, él y Liz compartían muchas de esas  
sensibilidades, por eso tuvieron una colaboración tan exitosa. Lo que más se  
echa de menos es su destreza en el detalle y en el dibujo. No sé si alguno de  
nosotros puede replicar esa experiencia de toda una vida. Lo intentamos y  
sentimos que siempre nos quedamos un poco cortos, pero seguimos inspi-  
rados por la alegría y la diversión que él aportaba.  
And how is the next generation of designers building upon his  
JSH. interdisciplinary and critical approach?  
Me resulta más difícil hablar sobre la próxima generación. No es-  
BT. toy seguro de que ahí esté el interés en este momento. El interés  
de los clientes en asumir riesgos ha cambiado. Hay mucha más burocracia,  
mucha más aversión al riesgo, muchos más comités involucrados en el di-  
seño, y simplemente es un entorno más difícil que, digamos, en los años 80,  
90 o principios de los 2000. No solo se trata de un relevo generacional, sino  
de que el contexto del trabajo es diferente. Acabamos de vivir un periodo  
extraordinario, y miraremos hacia atrás para criticarlo y cuestionarlo, pero  
We still try to ask ourselves what Ric would think about a certain mo-  
ment or a certain question. How do we approach problems in a site, program,  
and institutionally specific way? The interest in the production of meaning  
between the object and the viewer, the breaking down of barriers to entry for  
arts and culture merging. That’s all really present in the studio and obviously  
he and Liz shared a lot of those sensibilities and that’s why they had such a  
successful partnership. What’s really missed is his hand with actual detailing  
and drawing. I don’t know if any of us can replicate that lifetime of experience.  
We try and feel like we’re always coming up short, but we’re inspired still by  
the joy and fun that he brought to it.  
And how is the next generation of designers building upon his  
JSH. interdisciplinary and critical approach?  
I have a harder time speaking to the next generation. I’m not sure  
BT. that’s where the interest lies right now. Interest in clients taking risks  
has changed. There’s a lot more bureaucracy, there’s a lot more risk-aversion,  
there’s a lot more committees involved in design, and it’s just a more difficult  
environment than in, say, the 80s, 90s, or early 2000s. Not only is there a  
generational shift, but just the context of the work is different. We have just  
lived through an amazing period, and we’ll be looking back and being critical  
of it and questioning it, but also it was a time when a lot of really ambitious  
projects were realized, a lot of risks were taken. Some of them paid off, some  
of them less so. Take OMA’s, Seattle Public Library, or our High Line, these  
experiments in architecture and you could list many more. They were built  
Brian Tabolt, Rocío Santo-Tomás Muro, Jaime Sanz Haro. Sobre Antonio Ricardo Scofidio.  
Una conversación con Brian Tabolt. About Antonio Ricardo Scofidio. A conversation with Brian Tabolt. 13-33 pp.  
29 | Constelaciones nº 14, 2026. ISSN: 2340-177X  
DOI: https://doi.org/10.31921/constelaciones.n14c1  
también fue un tiempo en el que se realizaron muchos proyectos realmente  
ambiciosos, se asumieron muchos riesgos. Algunos dieron fruto, otros me-  
nos. Piensa en la Biblioteca Pública de Seattle de OMA, o en nuestra High  
Line; estos experimentos en arquitectura, y podrías enumerar muchos más.  
Se construyeron a lo largo de un periodo de 20 o 30 años que incluyó una  
crisis financiera. El péndulo va y viene, pero lo que realmente trajo la COVID  
fue un punto en el que las cosas cambiaron. También podría considerarse  
un momento en el que ese entusiasmo por el riesgo y la experimentación se  
inclinó hacia el lado opuesto.  
Es un poco más difícil para los arquitectos de esta generación, que  
no tienen las mismas oportunidades para hacer el tipo de trabajo que hizo la  
generación anterior. Tendrán sus propias oportunidades, pero dentro de un  
contexto diferente. Nosotros estamos enfrentándonos a ese mismo contexto  
e intentando averiguar qué significa para nosotros. La apertura y la impli-  
cación con el espacio público es un legado duradero que veo que interesa  
a los arquitectos jóvenes. Lo veo más en arquitectos europeos, pero hay un  
interés en aportar detalles cuidadosos a materiales humildes. Eso remite a los  
orígenes del estudio. Ahora tenemos la suerte de trabajar con elementos que  
desarrollamos a medida, pero siguen consistiendo en desplegar lo familiar de  
una manera que resulte, de algún modo, poco familiar.  
A medida que somos testigos de la desaparición de mu-  
RSTM. chos arquitectos influyentes de aquella generación pio-  
nera, ¿crees que estamos entrando en una nueva era en la forma en que se  
concibe y se practica la arquitectura?  
over a 20, 30-year period through a financial crisis. The pendulum swings  
back and forth, but what COVID really brought was a point in time when things  
changed. One could also mark it as a moment where that enthusiasm for risk  
and experimentation swung the other way.  
It is a little harder for architects of this generation that don’t have the  
opportunities to do the same work as the previous generation did. They’re  
going to have their own opportunities, but within a different context. We’re  
dealing with that same context and trying to figure out what it means for us.  
The openness and engagement with the public realm, that’s a lasting legacy  
that I see young architects being interested in. I see this more in European  
architects, but there is an interest in bringing thoughtful details to humble  
materials. That goes back to the origins of the office. Now we’re lucky to get to  
work with things where we’re doing custom, but they’re still about deploying  
the familiar in a kind of unfamiliar way.  
As we witness the passing of many influential architects  
RSTM. from that pioneering generation, do you believe we are  
entering a new era in the way architecture is conceived and practiced?  
It’s a good question. I think we’ll see. It definitely means working  
BT. in a more risk-adverse environment, and I personally find that the  
ability to take risks with large, 100-plus-million-dollar institutional projects,  
I don’t know if we’re going to see that again for a little while. It’ll probably  
come back at some point. It might be about finding different opportunities,  
smaller. In some ways, returning to where Ric and Liz started. Experimenting  
Brian Tabolt, Rocío Santo-Tomás Muro, Jaime Sanz Haro. Sobre Antonio Ricardo Scofidio.  
Una conversación con Brian Tabolt. About Antonio Ricardo Scofidio. A conversation with Brian Tabolt. 13-33 pp.  
30 | Constelaciones nº 14, 2026. ISSN: 2340-177X  
DOI: https://doi.org/10.31921/constelaciones.n14c1  
Es una buena pregunta. Creo que ya veremos. Sin duda significa  
BT. trabajar en un entorno más adverso al riesgo, y personalmente  
encuentro que la capacidad de asumir riesgos con grandes proyectos ins-  
titucionales de más de cien millones de dólares… no sé si volveremos a ver  
algo así en un tiempo. Probablemente regresará en algún momento. Quizá  
tenga que ver con encontrar otras oportunidades, más pequeñas. En cierto  
modo, volver a donde Ric y Liz empezaron. Experimentar donde podamos, ya  
sea en teatro, en las artes o en otros ámbitos. Me pregunto si eso es algo que  
debemos retomar.  
Lo que veo que empieza a ocurrir es un alejamiento de esa voz única.  
Aunque Liz y Ric eran la imagen de nuestro estudio, eso también evidencia  
que estas cosas las producen muchas personas trabajando y colaborando.  
Tuve la suerte de trabajar con Rem durante un tiempo. Él llega y real-  
mente las cosas cambian, aunque haya un enorme equipo de personas tra-  
bajando. Aunque reconocemos que los individuos, con su fuerte sensibilidad,  
son una parte fundamental de lo que define a los estudios y a la obra, también  
veo en las generaciones más jóvenes un interés por explorar la naturaleza  
colaborativa del diseño. Ojalá podamos impulsar una forma de trabajar que  
sea un poco menos sobre una sola persona en la cima y más sobre lo que  
puede suceder cuando ampliamos las ideas de colaboración.  
Hay potencial para explorar nuevos tipos de práctica que puedan ser  
más ágiles, capaces de producir arquitectura significativa sin limitarse a “mar-  
car casillas”, como articuló muy bien Reinier de Graaf en su libro architect, verb.  
Cada vez más, se nos pide pasar por todos estos aros y marcar todas estas  
casillas de forma burocrática, en lugar de que la arquitectura sea una fuerza  
where we can, whether in theater or arts or other places. I wonder if that’s  
something to take away.  
What I see starting to happen is moving away from this singular voice.  
Even though Liz and Ric were the faces of our office, it speaks to the fact that  
these things are produced by many people working and collaborating.  
I was lucky to work with Rem for a little bit. He comes in and things  
really change, even though it’s a huge team of people working. While ac-  
knowledging that individuals and their strong sensibility are a huge part of  
what makes offices and what makes the work. There’s an interest in explor-  
ing the collaborative nature of design that I see in a younger generation.  
Hopefully we can bring a way of working that’s a little less about a single  
person at the top and more about what can happen as we extend ideas of  
collaboration.  
There’s potential for exploring new types of practice that might be  
more nimble, producing meaningful architecture outside of “checking the  
boxes” as Reinier de graaf articulated well in his book, architect, verb. Increas-  
ingly, we’re asked to jump through all these hoops and check all these boxes  
in a bureaucratic way, as opposed to architecture being a source of moving  
culture forward. I think that model of the “Star Architect” is sort of good rid-  
dance, but also I think we need new models that don’t just put us in a position  
where we’re doing known things and producing safe results that check a series  
of aesthetic and performative criteria, but where we’re contributing new ideas  
to the role that architecture can play in our society and culture. I don’t know  
what that looks like yet, but I hope that there’s room for that to happen. I think  
making space for new ideas is a good thing.  
Brian Tabolt, Rocío Santo-Tomás Muro, Jaime Sanz Haro. Sobre Antonio Ricardo Scofidio.  
Una conversación con Brian Tabolt. About Antonio Ricardo Scofidio. A conversation with Brian Tabolt. 13-33 pp.  
31 | Constelaciones nº 14, 2026. ISSN: 2340-177X  
DOI: https://doi.org/10.31921/constelaciones.n14c1  
que impulse la cultura hacia adelante. Creo que ese modelo del ‘arquitecto  
estrella’ es algo de lo que está bien despedirse, pero también creo que necesi-  
tamos modelos nuevos que no nos sitúen simplemente en una posición de  
hacer cosas conocidas y producir resultados seguros que cumplan una serie  
de criterios estéticos y de rendimiento, sino que nos permitan aportar ideas  
nuevas sobre el papel que la arquitectura puede desempeñar en nuestra socie-  
dad y nuestra cultura. No sé aún cómo será eso, pero espero que exista espacio  
para que ocurra. Creo que generar espacio para nuevas ideas es algo positivo.  
Gracias, Brian. No sé si tienes o quieres decir algo más  
RSTM. respecto al legado de Ricardo Scofidio.  
Solo diría una última cosa, que quizá atraviesa todo, y es que ha  
BT. habido muchas preguntas sobre la influencia y el legado de Ric.  
Creo que una de las razones por las que todo el mundo quiere a Ric es que él  
realmente no lo hacía por los elogios; no era un ‘arquitecto estrella’, aunque  
fuera un nombre reconocido. Creo, y he observado, que él amaba lo que hacía.  
Amaba colaborar. Amaba dibujar, fabricar cosas, hablar sobre cómo se hacen  
las cosas: el cine, los coches y la arquitectura. En cierto modo, por eso, y por-  
que el mundo en el que vivimos tiende a destacar las voces más estridentes  
y a las personas que buscan llamar la atención. Él no era alguien que buscara  
atención. Esta conversación me ha hecho darme cuenta aún más de ello.  
Quizá se necesite un poco de tiempo y atención para descubrir la con-  
tribución y el legado específicos de Ric. Realmente espero que la gente se tome  
ese tiempo porque creo que lo vale. Esa sensibilidad de cuidar e invertir en el  
Thank you, Brian. I don’t know if you have or want any-  
RSTM. thing to say anything else, regarding Ric’s legacy.  
I would just say one last thing, and maybe it cut across all, which  
BT. is that there’s been a lot of these questions about the influence  
and legacy of Ric. I think one of the reasons everybody loves Ric is that he  
really didn’t do it for accolades, he’s not a “Star Architect”. Even though he’s a  
recognized name. I believe and have observed that he loved doing it. He loved  
collaborating. He loved drawing, making things, talking about how things are  
made: movies and cars, and architecture. In a way, because of that, and because  
the world that we live in tends to foreground super loud voices and people who  
are very much trying to capture attention. He was not an attention-grabbing  
person. This conversation has made me realize that even more.  
Maybe it takes a little time and attention to discover Ric’s specific  
contribution and legacy. I really hope people take that time because I think  
it’s worth it. That sensibility of caring and investing in the work but not in  
self-acknowledgment or publicity is something that I hope will be a legacy.  
It’s ironically difficult to communicate, especially in our era where there’s so  
much noise and discussion about bigger personalities and bigger things. To  
encourage people to take the time to discover the level of attention that he  
applied to architecture would be something I would hope for.  
Some legacies work better with silence than with the noise we  
JSH. feel we need to create. I like that idea of not needing so much  
attention, of the possibility of creating a legacy without the necessity of telling  
Brian Tabolt, Rocío Santo-Tomás Muro, Jaime Sanz Haro. Sobre Antonio Ricardo Scofidio.  
Una conversación con Brian Tabolt. About Antonio Ricardo Scofidio. A conversation with Brian Tabolt. 13-33 pp.  
32 | Constelaciones nº 14, 2026. ISSN: 2340-177X  
DOI: https://doi.org/10.31921/constelaciones.n14c1  
trabajo, pero no en el reconocimiento propio ni en la publicidad, es algo que  
espero que sea parte de su legado. Irónicamente, es algo difícil de comunicar,  
especialmente en nuestra época, donde hay tanto ruido y tanta conversación  
sobre personalidades más grandes y cosas más grandilocuentes. Animar a la  
gente a tomarse el tiempo para descubrir el nivel de atención que él aplicaba  
a la arquitectura es algo que realmente desearía.  
Algunos legados funcionan mejor en el silencio que con el  
JSH. ruido que sentimos que debemos crear. Me gusta esa idea de  
no necesitar tanta atención, de la posibilidad de crear un legado sin la necesi-  
dad de decirle a todos: ‘Por favor, miradme, mirad lo que estoy haciendo, lo que  
estoy escribiendo’; esta idea de un legado silencioso. Muchas gracias, Brian.  
Ha sido divertido, gracias por traer algo de atención hacia Ric y  
BT. su legado.  
everyone, “Please look at me, look at what I’m doing, what I’m writing”, this  
idea of silence legacy. Thank you very much, Brian.  
This was fun, thanks for bringing some attention to Ric and his  
BT. legacy.  
Brian Tabolt, Rocío Santo-Tomás Muro, Jaime Sanz Haro. Sobre Antonio Ricardo Scofidio.  
Una conversación con Brian Tabolt. About Antonio Ricardo Scofidio. A conversation with Brian Tabolt. 13-33 pp.  
33 | Constelaciones nº 14, 2026. ISSN: 2340-177X  
DOI: https://doi.org/10.31921/constelaciones.n14c1